LES SIFFLEURS
Cristi, un inspecteur de police de Bucarest corrompu par des trafiquants de drogue, est soupçonné par ses supérieurs et mis sur écoute. Embarqué malgré lui par la sulfureuse Gilda sur l’île de la Gomera, il doit apprendre vite le Silbo, une langue sifflée ancestrale. Grâce à ce langage secret, il pourra libérer en Roumanie un mafieux de prison et récupérer les millions cachés. Mais l’amour va s’en mêler et rien ne se passera comme prévu...
Le film roumain "Les siffleurs", découvert en compétition au dernier Festival de Cannes, dispose d’une intrigue déroutante, navigant entre l'île des Canaries La Gomera et Bucarest. Comédie policière savamment construite, ce nouveau film de Corneliu Porumboiu ("12h08 à l’est de Bucarest", "Le Trésor") est chapitré par personnage (Gilda, la fausse amante, Zsolt, un prêtre orthodoxe, Munci, Magda, la cheffe de la police...), avec pour terminer le principal, un policier corrompu dénommé Cristi. Son scénario mélange de manière intrigante quelques flash-backs explicatifs, permettant de mieux cerner les personnages, à un récit principal centré sur la recherche de 30 millions d’euros cachés. Point de départ de cette histoire, l'apprentissage d'un langage sifflé, rapidement tourné en ridicule, n'aura de véritable utilité que sur la fin du métrage, toujours de manière inattendue. Au fil de l’intrigue, ce sont alors de multiples trahisons qui vont être dévoilées, formant un véritable sac de nœuds, aux personnages barrés ou étranges (le prêtre qui frappe « en croix », le vieux sans dents...), pas toujours très utiles (la Mama...). Mais son humour de fond, légèrement noir et des plus réjouissants, ainsi que les références cinématographiques ("Reservoir Dogs", "Psychose"), en font un réel plaisir de cinéma. En réalité, le film a avant tout une énorme qualité, dans sa capacité à surprendre en permanence, jusque dans ses derniers instants, de par l’utilisation des lieux (une usine de matelas, une île semblant hors du monde...) comme des facettes multiples de ses personnages. Au final, "Les siffleurs" séduit par son ton décalé comme par une indéniable maîtrise du découpage, maintenant un certain suspense jusque dans ses dernières minutes. A découvrir, ne serait-ce que pour son originalité. Abusdecine.com
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LA VIE INVISIBLE D'EURIDICE GUSMAO
Tiré d’un roman de Martha Batalha paru sous le titre Les Mille Talents d’Euridice Gusmão, l’argument romanesque, entrecroisant deux destinées contrariées dans le Brésil des années 1950, révèle aussi un double fond, dans sa mise au jour d’une certaine logique de domination, à savoir la mainmise du patriarcat sur la vie des femmes à une époque où celles-ci ne s’appartenaient pas complètement. Ainsi le film s’inscrit-il dans une perspective générationnelle, se penchant vers les aïeules de la société brésilienne, ces dames d’un âge vénérable qui ont connu l’amour et construit leur sexualité en un autre temps, celui d’avant la libération sexuelle et les avancées des droits des femmes.
Tout à fait sincère et déchirant, La vie invisible d’Eurídice Gusmão est une grande fresque mélodramatique pleine de performances brillantes, d’émotions passionnantes et de nuances subtiles. Mêlant classicisme et esprit novateur, Karim Aïnouz nous offre un merveilleux mélodrame pour ce 21ème siècle, une histoire élégante et émouvante sur deux femmes qui luttent pour construire leurs vies.
LA VÉRITÉ
Kore-eda est un cinéaste qui interroge inlassablement les mêmes problématiques. Son obsession pour les familles, plus ou moins dysfonctionnelles, leurs constructions, et leurs dissymétries, sont encore à l’œuvre dans La vérité. Lumir est une scénariste française qui vit à New-York. On comprend rapidement que cela sonne à la fois comme une émancipation et un exil vis à vis de la présence envahissante et dévorante de sa mère, incarnée par Catherine Deneuve, parfaite pour un rôle qui, s’il ne lui ressemble pas exactement, avait besoin d’une icône ayant traversé et survécu à plusieurs décennies de cinéma. Les deux femmes sont d’emblée positionnées dans un affrontement qui fait ressentir le poids des traumatismes et des reproches dans une relation mère/fille plus que compliquée....Le génie d’Hirokazu Kore-eda est de pousser son dispositif plus loin que cette lutte générationnelle, déjà passionnante, en distillant plan après plan le doute, au cœur de la mémoire...Si le film est rigoureux dans son écriture, il n’oublie jamais d’être un puissant vecteur d’émotions, comme toujours chez le réalisateur japonais, troublant et bouleversant dans les failles qu’il dégage entre ses personnages. La vérité est donc une œuvre complexe, brillante et émouvante, parfait cadeau de fin d’année d’un auteur qui a réussi à transposer son univers hors de ses terres, toujours soucieux de déployer ses obsessions avec une grâce indicible. lebleudumiroir.fr
SYMPATHIE POUR LE DIABLE
Dans ce premier long-métrage, Guillaume de Fontenay décrit Paul Marchand comme ambivalent, ambigu, complexe, tout autant repoussé que fasciné par ce qu'il vit, voulant s'en écarter le plus vite possible, mais s'en servant comme carburant. Il faut d'ailleurs saluer l'extraordinaire performance de Niels Schneider, habité par le rôle, totalement méconnaissable, qui tient son personnage et le film du début à la fin, entouré qui plus est par un casting fabuleux et complètement investi dans le projet (Vincent Rottiers et Ella Rumpf en tête)... Sympathie pour le diable en appelle à la responsabilité humaine, à l'importance de sortir de son rôle, de frôler la ligne constamment, d'écouter son instinct et son cœur, quitte à en payer le prix, pour nous rappeler que, dans un camp comme dans l'autre, nous sommes au fond tous les mêmes. Il y est aussi question de cette recherche constante de lumière au milieu de l'horreur, d'adaptation, de la vie qui continue même si on ne sait pas combien de temps elle durera encore, et de résilience.
Sans jamais forcer le trait ou chercher à nous donner une quelconque leçon, Sympathie pour le diable nous met face à notre propre reflet sans jamais tomber dans l'accusation facile : il cherche simplement à nous rappeler qu'au-delà des systèmes, des organisations et des gouvernements, nous sommes avant tout des êtres humains et qu'il faudrait peut-être commencer à se comporter comme tels. ecranlarge.com
TRILOGIE HAL HARTLEY
À l’orée des années 1990, voilà presque trente ans, un jeune homme à la voix basse et au regard mélancolique, à peine sorti de ses études de cinéma à New York, est devenu en un éclair la coqueluche du cinéma indépendant américain, le temps d’une poignée de films très remarqués qui imposèrent alors un ton nouveau. Pendant quatre ans (de 1989 à 1992), personne ne fut plus en vue que Hal Hartley, dont le cinéma d’inspiration européenne apparut comme une
petite bulle de déphasage, de détachement, de distinction et de candeur dans un monde d’images toujours plus accélérées et cyniques. Lemonde.fr
The Unbelievable Truth (1989)
Josh Hutton, suite à un séjour en prison pour meurtre, retourne dans son village natal. Il rencontre Audry, toute jeune fille avec laquelle il sympathise. Elle lui propose de travailler pour son père qui tient un garage. Excellent mécanicien, il l’embauche, mais il voit d’un mauvais œil Josh tomber peu a peu sous le charme de sa fille.
Trust Me (1990)
Maria est enceinte mais son petit ami préfère pratiquer le football que de l’aider. Lorsqu'elle apprend à ses parents qu'elle va quitter ses études pour élever seule l'enfant, son père meurt d'une attaque. Sa mère la juge responsable du drame et la chasse, et Maria va faire la connaissance de Matthew, un homme ténébreux qui va la prendre sous son aile.
Simple Men (1992)
Dennis et Bill McCabe sont deux frères totalement différents : si le premier est un étudiant timide, le second est un petit délinquant qui sort d’une relation compliquée ayant juré sa vengeance sur les femmes après que sa petite amie l’a quitté. Dennis propose à Bill de partir à la recherche de leur père, un révolutionnaire disparu une vingtaine d’années auparavant.
IT MUST BE HEAVEN
It Must Be Heaven est une jolie parenthèse poétique d’Elia Suleiman sur l’identité palestinienne. Le cinéaste y incarne un voyageur, doux et quasi muet, qui se balade de ville en ville – Paris, New-York, Nazareth – , observateur de l’impact de sa nationalité sur les autres, du climat, de petits détails et des gens dans les rues et jardins. Avec son apparence de Woody Allen désœuvré, il est souvent drôle face aux différents passants, jeunes, vieux, mannequins ou policiers, toujours décrits dans différentes situations cocasses. On pense beaucoup à la tendresse et l’expression cinématographique de Jacques Tati, où les sons et les dialogues sont à peine perceptibles, mais l’objet d’amusements répétés et sensibles. On gardera longtemps en mémoire cette séquence hilarante, suave et innocente du cinéaste contrarié par un petit moineau qui l’empêche d’écrire sur son clavier d’ordinateur. Ce n’est certes pas grand-chose, mais dans un monde brutal et violent, ces images joyeuses et délicates font l’effet d’une bulle de savon, légère, portée par la brise et qui, lorsqu’elle disparaît sans le moindre bruit, laisse un souvenir d’élégance.
Réjouissant ! bande-a-part.fr